Alrededor de 600 estudiantes y docentes de cuatro secundarias asistieron en Valladolid a la primera función de “El Ramayana (Pasajes desde las sombras)”, una propuesta que combina teatro, danza, música, máscaras, títeres y sombras. La actividad forma parte de un programa nacional que busca acercar las artes escénicas a las comunidades escolares y convertir la experiencia artística en una herramienta de aprendizaje.
El Teatro José María Iturralde Traconis de Valladolid se convirtió en un espacio de imaginación y descubrimiento para cientos de estudiantes que asistieron a la presentación de “El Ramayana (Pasajes desde las sombras)”. Las risas, las expresiones de asombro y la curiosidad del público acompañaron esta puesta en escena que recupera una de las grandes epopeyas de la tradición literaria de la India.
La Secretaría de la Cultura y las Artes de Yucatán (Sedeculta) programó tres funciones gratuitas los días 11, 12 y 13 de noviembre, como parte de la iniciativa Artes Escénicas en la Escuela, impulsada por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL). En la primera presentación participaron aproximadamente 600 estudiantes y docentes de cuatro escuelas secundarias.
La propuesta estuvo a cargo de En Boca de Lobos Producciones, bajo la dirección y adaptación de Luis Martín Solís. La obra retoma el Ramayana, poema épico atribuido tradicionalmente al sabio Valmiki, cuya historia ha atravesado generaciones y distintas expresiones culturales del sur y sudeste asiático. Su relato reúne temas como el amor, el honor, la lealtad, la justicia y la lucha entre el bien y el mal.
La adaptación presentada en Valladolid condensa una producción escénica más amplia que Solís desarrolló en 2016, cuando formaba parte del entonces Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fonca), hoy integrado en la estructura de apoyos culturales del país. En esta versión, dos intérpretes asumen el desafío de representar a más de veinte personajes mediante recursos teatrales y corporales.
Las actrices y bailarinas Erika Torres y Nili Yamile combinaron movimiento, música, interpretación y manipulación de objetos para construir una narración dinámica. Con máscaras, títeres y juegos de sombras, transformaron el escenario en un universo donde los personajes aparecen y desaparecen, mientras las intérpretes modifican sus voces, gestos y movimientos para dar identidad a cada figura.
Uno de los aspectos que más llamó la atención del alumnado fue precisamente esa capacidad de transformación. En cuestión de minutos, las artistas pasaban de un personaje a otro, alternando personalidades y formas de expresión. El resultado permitió mostrar que el teatro no depende necesariamente de grandes elencos o escenarios monumentales: la creatividad, el dominio corporal y la imaginación también pueden construir mundos completos frente al público.
La experiencia no terminó con el cierre de la representación. Después de la función, el director y las intérpretes conversaron con los estudiantes sobre el Ramayana y el Mahabharata, dos de las grandes epopeyas de la literatura india. Durante el intercambio, Solís estableció una comparación entre el Ramayana y la Ilíada, al explicar cómo el rapto de una figura femenina desencadena el conflicto central de ambas narraciones.
La conversación también permitió acercar al público a los mecanismos técnicos de la puesta en escena. Con una lámpara y distintas figuras, el equipo artístico mostró cómo se construyen las imágenes proyectadas mediante el teatro de sombras. Los estudiantes pudieron observar que detrás de cada silueta existe un trabajo de iluminación, distancia, movimiento y manipulación que convierte objetos sencillos en personajes y escenarios.
Al compartir sus impresiones, las y los jóvenes destacaron el vestuario, los títeres, las sombras y la variedad de personajes. Ese diálogo entre artistas y espectadores es una parte fundamental de la experiencia, porque permite que el público no sea únicamente receptor de una función, sino que también formule preguntas, exprese opiniones y descubra los procesos creativos que hacen posible una obra.
La presentación forma parte de una política cultural que busca reducir las barreras de acceso al arte y llevar propuestas profesionales a niñas, niños y adolescentes. De acuerdo con el INBAL, el programa Artes Escénicas en la Escuela tiene como propósito acercar el teatro y la danza a las comunidades educativas, apoyar a compañías independientes y fortalecer la formación integral mediante experiencias artísticas.
La edición 2026 contempla 70 proyectos seleccionados —60 para la circulación de obras existentes y 10 para la producción de nuevas propuestas—, con una inversión de 21 millones de pesos. Las actividades se desarrollan durante el ciclo escolar 2026-2027 en las 32 entidades federativas, mediante funciones en recintos culturales y presentaciones en espacios escolares.
El alcance de esta estrategia también se refleja en los resultados de la edición anterior. Según el INBAL, durante el ciclo escolar 2025-2026 se realizaron 900 funciones en 30 entidades del país, con más de 132 mil asistentes y actividades de mediación dirigidas a las comunidades escolares. Estas cifras muestran que existe una demanda importante de experiencias culturales dentro de los procesos educativos.
Acercar obras como el Ramayana a estudiantes de secundaria tiene un valor que va más allá del entretenimiento. Permite conocer tradiciones literarias distintas, reconocer semejanzas entre relatos de diversas culturas y comprender que las preguntas sobre la justicia, el poder, la lealtad y las relaciones humanas forman parte de la historia de las sociedades. El arte también enseña a mirar el mundo desde otras perspectivas.
En un contexto donde la formación escolar suele concentrarse en contenidos curriculares y resultados académicos, estas actividades recuerdan que la educación necesita espacios para la sensibilidad, la imaginación y el pensamiento crítico. Una función teatral puede despertar preguntas, motivar una lectura o abrir el interés por culturas que, de otra manera, permanecerían distantes para muchos estudiantes.
La experiencia de Valladolid demuestra la importancia de mantener una programación cultural accesible y descentralizada. El derecho a la cultura no debe depender del lugar donde se vive ni de la capacidad económica de las familias. Llevar el teatro a las comunidades escolares significa reconocer que la creatividad y el conocimiento también se construyen frente a un escenario, entre títeres, música, luces y sombras.
